Pintura renacentista y el Manierismo de El Greco 

Aunque el clasicismo de la pintura renacentista italiana pugnó por entrar en nuestro país, el fervor religioso del catolicismo español no lo permite de manera intensa. En este contexto, el desnudo apenas existe y si lo hace es cargado e exaltación mística.

Algunos importantes pintores del Renacimiento español son la Familia Osona, Fernando Yáñez, la Familia Masip, sobre todo Juan de Juanes, Alejo Fernández, Alonso y Pedro Berruguete, Fernández de Navarrete, Sánchez Coello, Juan Pantoja de la Cruz, Luis de Morales "El Divino" y por supuesto, el líder indiscutible del Manierismo español, Domenico Teothocopulos "El Greco" 

El Greco nació en Creta en 1541 y murió en Toledo, donde desarrolló gran parte de su obra. 

Su pintura fue innovadora para su época y por ello no fue muy aceptado en su tiempo. Su reconocimiento como genio de la pintura de Renacimiento y Manierismo en España procede del siglo XIX cuando se le "redescubre". 

Su primera formación en Creta supone una fuerte influencia del arte bizantino, en especial el mosaico, de donde tomara su alto sentido de la religiosidad y la simetría de sus composiciones, que durará toda su vida. 

Cuando era aún joven, El Greco viajó a Venecia y Roma donde se encuentra en su máximo esplendor la Escuela del cinquecento (Miguel Ángel, Tiziano y Tintoretto). El Greco aprenderá de Tiziano el uso de colores cálidos y la importancia de la luz.

Sin embargo fue en Toledo donde el Greco alcanzó su máximo esplendor. Aquí encuentra su personalidad verdadera y da rienda suelta a su arte, realizando sus obras más interesantes. El Greco pintará en España preferentemente temas religiosos, algunos mitológicos y retratos.

Una de sus grandes obras de su vida en Toledo fue El Expolio, del altar de la Sacristía de la Catedral de Toledo. En esta obra, el Greco muestra su genialidad donde ya no importa ni la proporción ni el realismo del dibujo, y donde sorprende el juego de colores que usa para perfilar las formas.

Fue probado por Felipe II para participar en la decoración de El Escorial pero su pintura no fue del total agrado del rey, precisamente por salirse de la corriente general establecida.

Efectivamente, El Greco no fue un pintor convencional del Renacimiento. En su genial pintura, sus personajes se alargan y se mueven en amplios escorzos, en la búsqueda de reflejar un exaltado misticismo.

Algunos de sus cuadros más famosos, además del Expolio son La Santa Faz, El entierro del conde de Orgaz, Caballero de la mano en el pecho, San Andrés y San Francisco, etc.

Los artífices del surrealismo: 

Observamos dos vertientes. El surrealismo abstracto, donde artistas como Masson, Miró o Klee crean universos figurativos personales a partir del automatismo más puro. Y Ernst, Tanguy, Magritte o Dalí que se interesan más por la vía onírica, un surrealismo figurativo cuyas obras exhiben un realismo fotográfico, aunque totalmente alejadas de la pintura tradicional.

Ernst (1891-1979)

Llegó a ser uno de los principales exponentes del Surrealismo utilizando la técnica del frotagge. Consiste en frotar una mina de plomo o lápiz sobre un papel que se apoya en un objeto y se deja así su huella en dicho papel, con todas sus irregularidades. Las imágenes surgidas aparecerán cargadas de misteriosas evocaciones, de signos de catástrofe y desolación.
Ciudades, Europa después de la lluvia.

Tanguy (1900-1985)

Representa sueños desligados a toda referencia a la realidad. Los horizontes, la sensación de infinito, la presencia de objetos misteriosos y sin correspondencia con la realidad objetiva y las alusiones a signos sexuales caracterizan su obra consiguiendo provocar angustia y misterio. Unos transportes; Días de lentitud; Mamá, papá está herido.

Magritte (1898-1976)

Ofrece cierta similitud con Chirico, es uno de los surrealistas más claramente simbolistas.

Provoca el choque emotivo de color aplicado a formas realistas puestas en lugares y momentos inverosímiles. Realiza absurdas combinaciones de paisajes, arquitecturas, esculturas, ambientes externos e internos. En El tiempo detenido muestra el interior de una habitación en el que un tren sale llameante de una chimenea doméstica. La voz de los vientos es la premonición de una amenaza, un grupo de globos pesados que flotan y son símbolo de algo que puede aplastar.

Masson (1896-1987)

Analiza la estructura del objeto para convertirlo en una elucubración intelectual. Parece que el color, conjugado de modo personal y con una valoración casi abstracta es lo que más le importa. Su modo es más vital, sin la opresión angustiosa de la mayoría de los surrealistas. Dibujo automático, Desnudo, Ánfora.

Chagall (1887-1985)

Presenta hechos sacados de la realidad pero dentro de un ambiente ensoñador. Sus figuras vuelan sobre el paisaje. Yo y la aldea, evoca una serie de elementos reales de su tierra natal (casas, vacas...), pero la magia del sueño lo transmuta. La vaca acoge en su cabeza a una lechera ordeñando, la campesina puede andar con la cabeza en el suelo, etc.

Joan Miró (1893-1983)

"Me es difícil hablar de mi pintura, pues ella ha nacido siempre en un estado de alucinación, provocado por un shock cualquiera, objetivo o subjetivo y del cual soy enteramente irresponsable".

Es el máximo representante del surrealismo abstracto, aunque fue solamente una fase dentro de su producción.

Sus cuadros están llenos de poesía. Pinta con colores puros y tintas planas. La obra clave en su evolución es El carnaval del arlequín (1924).

Crea un mundo propio que se abre paso a la abstracción. Sus imágenes son simples, con pocos trazos, a la manera de los niños. Rechaza la perspectiva, el modelado, el claroscuro y el acabado minucioso. Traza signos abstractos, simples, que no tratan de expresar una idea, sino que desean bastarse a sí mismos y son extraídos de lo irracional.

¿Qué es la pintura? 

Pintura es el arte que enseña a representar en una superficie plana cualquier objeto visible o imaginario, o a sugerirlo, por medio de la línea y del color.

Elementos básicos de la pintura académica son el dibujo, el modelado y el colorido.

Tradicionalmente, se distinguen la pintura histórica, la religiosa, la de batallas, el retrato, la de paisajes, la de marinas, la de animales y flores y la de naturaleza muerta.

La pintura responde a un impulso que se revela innato tanto en ciertos salvajes, esos del paleolítico, en sus pinturas rupestres de intención mágico-religiosa, como en el hombre antiguo y en el moderno.

La pintura es la técnica que permite a un artista llamado pintor plasmar sus obras sobre una determinada superficie utilizando diferentes pigmentos y otros materiales. técnica de representación mediante la cual se impregna pigmentos sobre la superficie textil y permite plasmar un gesto que va directamente de la mano al textil. Arte de pintar. Conjunto de colores dispuestos sobre una superficie según un cierto orden y con una finalidad representativa, expresiva o decorativa. Materia colorante. Técnica que usa colores y un utensilio para depositarlos sobre una superficie dada; puede ser mural o de caballete, sobre tabla, tela, cristal, etc. y al fresco, óleo, temple, pastel, acuarela, aguada, aguazo, encáustica, gouache, miniatura, etc

DANZA FOLCLORICA MEXICANA 

En la cultura mexicana la danza es la espina dorsal del folclor. En ella se reflejan ritos, cultura y tradición.

Desde antes de la llegada de los españoles, para los pueblos que habitaban la ahora Republica Mexicana, la danza ritual era parte imperante en su vida cotidiana. Los religiosos que evangelizaron estas tierras trataron de suprimirlas, pero, en vista de lo arraigadas que estaban, las fueron adaptando o cristianizando dándole a sí nuevos significados.

Sin embargo, las diferentes razas indígenas modificaron de muy diversas maneras sus ancestrales tradiciones dancísticas, pero a pesar de estas modificaciones, en apariencia fundamentales, hasta hoy día parece indudable que los pasos con que se ejecutan estas danzas, los movimientos, e incluso las vestimentas, refieren tradiciones ancestrales.

Muchas de las costumbres que los naturales tenían experimentaron diversos cambios: se impuso la lengua castellana, se modificó la manera de vestir y la organización política, pero sobre todo se modificaron las creencias y religión, costumbres, comida, entre otros; de esta manera, la cultura española dominó la vida social de los pueblos establecidos.

En la danza regional mexicana se tiene como objetivo central tener saberes de la danza y proporcionar las herramientas que demanda la practica profesional actual y cultivando un criterio personal y amplio que faculta a cada persona para incidir de forma propositiva en la transformación de la danza y con ello propiciar el desarrollo de la sociedad.

La danza regional mexicana aspira a ser vinculada a la tradición, la lucha por la revaloración, conservación y enriquecimiento de la cultura nacional y la creencia de que la danza no solo enseña una técnica, unos pasos, sino enseñar una forma de vida, una concepción del mundo, desarrollar un sentido de la estética, de lo bello, así como la vinculación con otras artes, con la finalidad de potenciar las capacidades, habilidades y destrezas de los futuros danzantes.

Quick Step 

Este baile fue creado por parejas caribeñas y africanas . Más tarde, durante la primera guerra mundial se desarrolló en los suburbios de Nueva York. Hizo su debut en un Music Hall americano e inmediatamente se volvió popular en todas las salas de baile.

El Fox Trot y el Quickstep tienen el mismo origen: en los años 20 muchas bandas musicales tocaban Slow-foxtrot muy rápido, lo cual le daba más alegría al baile. 

A partir de aquí se separaron los dos bailes, descendiendo así el compás del Slow-Foxtrot y pasando a ser el Quickstep la versión rápida del Foxtrot bailado a 48 compases por minuto. El Charleston y el One Step, tuvieron muchas influencias en el desarrollo del Quickstep.

Es un Fox rápido, y también el más "frívolo" de los bailes de salón. De carácter desenfadado, son muy comunes los pasos saltados y los punteos, donde los pies se apoyan en el suelo sólo durante un instante. Esto transfiere al baile unas características de ligereza y gracia realmente encantadoras. 

Dato curioso: 

El Quickstep posee escasas diferencias entre el ISTD (Sociedad Imperial de Maestros de Danza), y el IDTA (Asociación Internacional de Maestros de Danza), y aunque no es oficial en las competencias de baile americanas, sigue formando parte del baile social.

¡ROCK & ROLL!

El rock and roll es un genero musical de ritmo marcado, derivado de una mezcla de diversos generos de música folclórica estadounidense, y popularizado desde la década de 1950. Su cantante mas influyente fue Elvis Presley.

La expresión venia utilizándose en las letras del rythm & blues desde fines de la década 1930, pero fue el disc jockey estadounidense  Alan Freed quien comenzó a utilizar la expresión “rock & roll” para describir ese estilo.

Cualquier persona que se considere sabiondo en este género tendrá que haber visto  la película que podría bien describir el verdadero impacto del rock & roll es precisamente “grease” traducida al español como “Vaselina” protagonizada por Olivia Newton Jonh y John Travolta. Marca exactamente las vestimentas, carros, música e incluso las actividades típicas de la década de los 50’s y 60’s, sabiendo esto podras quedar graduado de la escuela del rock &roll .

AQUÍ VA EL VIDEO:  

Surrealismo

Introducción:

El Surrealismo comienza en 1924 en París con la publicación del "Manifiesto Surrealista" de André Breton, quien estimaba que la situación histórica de posguerra exigía un arte nuevo que indagara en lo más profundo del ser humano para comprender al hombre en su totalidad.

Siendo conocedor de Freud pensó en la posibilidad que ofrecía el psicoanálisis como método de creación artística.



Antecedentes:

Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños. Para lo que utilizan recursos como: animación de lo inanimado, aislamiento de fragmentos anatómicos, elementos incongruentes, metamorfosis, máquinas fantásticas, relaciones entre desnudos y maquinaria, evocación del caos, representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías. El pensamiento oculto y prohibido será una fuente de inspiración, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica.

Se interesaron además por el arte de los pueblos primitivos, el arte de los niños y de los dementes. Preferirán los títulos largos, equívocos, misteriosos, lo que significa que importaba más el asunto que la propia realización.

SALSA 

La "salsa" es el término usado a partir de los años setenta para definir al genero muscial resultante de una síntesis de influencias musicales cubanas con otros elementos de música caribeña, música latinoamericana y jazz, en especial el jazz afrocubano La salsa fue desarrollada por músicos de origen latinoamericano en el Caribe hispano y la ciudad de Nueva York. 

La salsa presenta las siguientes características: 

Ritmo: Utiliza como base la clave de sol, el patrón rítmico del son cubano, en dos compases de 4/4.
Melodía: En muchos casos las melodías usadas en la salsa se corresponden con las empleadas tradicionalmente en el son montuno aunque puede asimilarse también a otros géneros de la música cubana y caribeña tradicional, inclusive melodías de la música popular latinoamericana.

Armonía: Se corresponde con la utilizada en la música occidental.

Instrumentación: Usa instrumentos de percusión cubanos popularizados desde los años veinte como pailas o timbales, bongó, güiro cubano, cencerro, dos maracas y conga. Arsenio Rodríguez se presentó como el primer músico en incorporar la conga o "tambo" a la orquestas de baile.

La percusión, la instrumentación se completa con piano, contrabajo (en muchos casos bajo eléctrico), trompetas, saxofón, trombóns, flauta y violín. La influencia del jazz afrocubano viene determinada por el arreglo aunque no es una condición imprescindible en la salsa.

A mediados de los años cuarenta, el cubano Cheo Marquetti emigró a México. De regreso en Cuba con influencia de las salsas picantes de comida, le dio ese nombre a su agrupación Conjunto Los Salseros, con quienes grabó un par de discos para las disqueras Panart y Egrem. En 1957 viajó a Caracas,Venezuela or motivo de varios conciertos en esa ciudad y fue en Venezuela donde se comenzó a emitir en la radio la palabra “salsa” musica que hacian los soneros cubanos dentro y fuera de la isla designandolos como “salseros”.

Arte en los árboles – Wang Yue 

La artista callejera china Wang Yue pinta escenas de la naturaleza sobre los árboles de la ciudad. 

El paisaje urbano de las calles de Shijiazhuang, China, ha sido transformado por la artista callejera Wang Yue, quien usa los troncos de los árboles como lienzos. 

Wang se refiere a su trabajo como “Meitu”, que se podría traducir como “viaje hermoso” o “imagen hermosa”. 

El proceso de las obras de Wang es seleccionar un árbol con una forma adecuada, hacer un diseño digital y ejecutar el bosquejo en el tronco. 

Los habitantes de Shijazhuang han mostrado gran aceptación ante el arte de Wang Yue, que no daña a los árboles y embellece las calles.

Escif - Jaque Mate

Como sabemos, desde hace un par de años (quizá un poco más) España atraviesa por…

Como sabemos, desde hace un par de años (quizá un poco más) España atraviesa por una de sus crisis económicas más agudas, la cual se ha reflejado sobre todo en el desempleo, cuyos niveles hacía tiempo no se veían en el país. Sin embargo, también es cierto que esta situación ha evidenciado las carencias de un sistema económico y político que se preocupa más por las minorías privilegiadas que por el bien común.

Un poco como sintetizando esta contradicción, el conocido artista callejero Escif dejó en una pared de su natal Valencia una metáfora gráfica del momento que vive España: un rey negro de ajedrez tembloroso, a punto de caer sobre su costado y a nada de emitir un grito de auxilio y temor.

Sobre la imagen se encuentra su título: “Jaque Mate”, quién sabe si el deseo o el pronóstico de la manera en que deberían resolverse los problemas de la sociedad española.

Pintura islámica 

La pintura islámica, en comparación con la arquitectura islámica, es una de las ramas artísticas menos desarrolladas. Se utiliza sobre todo como elemento decorativo en las edificaciones, normalmente a través de la escritura (decoración caligráfica mediante versículos del Corán), dibujos geométricos o vegetales y, más raramente, mediante la representación figurativa de personas y animales. Pero también destaca la iluminación en los libros sagrados y profanos.

Características generales.

La evolución de la pintura islámica va de la línea viva a la línea ideográfica y de esta a la línea geométrica. Luego los artistas geómetros extendieron el sistema poligonal a toda la decoración. La pintura islámica está muy ligada al conocimiento de las matemáticas. Todos los motivos geométricos de la ornamentación se extraen de una fórmula del polígono. Las figuras geométricas se transformaban en números que, mediante repeticiones, determinan cadencias. En el despliegue de los arabescos aparecen figuras centrales que son puntos de partida o de llegada de las líneas por complicados caminos, lo que da un efecto rítmico. No hay nada de caprichoso en los caminos de las líneas, todo depende de un criterio de unidad derivado de la idea de un sólo dios.

Pintura mural 

Dentro de la pintura mural, destacan, en un primer momento, las pinturas de los palacios sirios, como el de Qusair Amra, en el que se narra la historia del rey visigodo don Rodrigo y contiene escenas íntimas del baño de las mujeres.

En el Egipto fatimí, chiíta (909-1171) se constata la existencia de una rica iconografía, con representaciones animales y humanas. Se enriqueció, tanto estilística como técnicamente, a través de sus contactos con las culturas de la cuenca mediterránea, sobre todo Bizancio.

Posteriormente, se realizaron pinturas en la zona de dominación turca. En España, hay pinturas genuinamente islámicas en el Partal granadino. Las que pueden verse en la Sala de los Reyes de la Alhambra son realizadas por artistas cristianos, siendo más propias del arte occidental que del arte islámico.

Pintura gótica 

La pintura gótica, una de las expresiones del arte gótico, no apareció hasta alrededor del año 1200, es decir, casi 30 años después del comienzo de la arquitectura y la escultura góticas. La transición del románico al gótico es muy imprecisa y no hay un claro corte, y podemos ver los comienzos de un estilo que es más sombrío, oscuro y emotivo que en el periodo previo, a principios del siglo XIII. El impulso decisivo de esta pintura realista cristiana se produjo en la Italia septentrional de finales de siglo. Diseminándose por el resto de Europa, el periodo gótico se extendió durante más de doscientos años. 

Características generales 

En el gótico, en correspondencia con las nuevas tendencias filosóficas y religiosas (recuperación de la filosofía de Aristóteles a través del averroísmo, humanismo deSan Francisco de Asís) se tendió a aproximar la representación de los personajes religiosos (los santos, los ángeles, la Virgen María, Cristo) en un plano más humano que divino, dejándoles demostrar emociones y sentimientos (placer, dolor, ternura, enojo), rompiendo el hieratismo y formalismo románico. El artista gótico busca su inspiración en la vida. Hay mucho sentimiento en las obras góticas. Paralelamente, la cultura burguesa demanda una nueva elegancia dentro del arte. Hay más detalles narrativos, más frescura, color, luminosidad,... que se logran con técnicas más refinadas. 

En el principio del periodo gótico, el arte se producía principalmente con fines religiosos. Muchas pinturas eran recursos didácticos que hacían el cristianismo visible para una población analfabeta; otras eran expuestas como iconos, para intensificar la contemplación y las oraciones. 

Estilo italo-gótico 

Este estilo se fue formando a lo largo del siglo XIII (Duecento) en Italia. Se fundieron las tradiciones del arte bizantino con los primitivos estilos clásicos o paleocristianos en pinturas y paneles de Florencia y Siena. Demostraban más realismo del que se encontraba en el arte románico y en el bizantino, caracterizado por una huida de la llamada maniera greca que dominaba Italia, y que fue sustituida por un estilo más realista. Se sentía fascinación por la perspectiva, y por la ilusión de crear espacios que parecieran reales, con figuras menos rígidas y estilizadas, más anatómicamente correctas y que presentaran estados de ánimo en sus gestos y actitudes. Se muestra también un interés por la narrativa pictórica y una espiritualidad intensificada por influencia franciscana. 

En el siglo XIII (Duecento) se distingue la escuela toscana, particularmente la obra de Giunta Pisano. A esta primera etapa de la pintura gótica ha de atribuirse igualmente la labor de la escuela romana de mosaicos y pintura murales, cuyos nombres más destacados son los de Jacopo Torriti y Pietro Cavallini. Cavallini fundió la pintura de la tradición local romana (arte romano y arte paleocristiano) con las convenciones bizantinas; sus vigorosos y bellos frescos y mosaicos muestran un dominio del naturalismo.

PINTURA RUPESTRE

Una pintura rupestre es todo dibujo o boceto prehistórico existente en algunas rocas y cavernas. El término «rupestre» deriva del latín rupestris, y éste de rupes(roca). De modo que, en un sentido estricto, rupestre haría referencia a cualquier actividad humana sobre las paredes de cavernas, covachas, abrigos rocosos e, incluso farallones o barrancos, entre otros. Desde este aspecto, es prácticamente imposible aislar las manifestaciones pictóricas de otras representaciones del arte prehistórico como los grabados, las esculturas y los petroglifos, grabados sobre piedra mediante percusión o erosión. Al estar protegidas de la erosión por la naturaleza del soporte, las pinturas rupestres han resistido el pasar de los siglos.

TEMATICA, COLORES Y TECNICAS SOBRESALIENTES. 

En las pinturas rupestres del Paleolítico se simbolizan animales y líneas. En el Neolítico se representaban animales, seres humanos, el medio ambiente y manos, representando además el comportamiento habitual de las colectividades y su interacción con las criaturas del entorno y sus deidades. Entre las principales figuras presentes en estos grafos encontramos imágenes de bisontes, caballos, mamuts, ciervos y renos, aunque las marcas de manos también ocupan un porcentaje importante. Frecuentemente se muestran animales heridos con flechas. Los motivos y los materiales con que fueron elaboradas las distintas pinturas rupestres son muy similares entre sí, a pesar de los miles de kilómetros de distancia y miles de años en el tiempo. Todos los grupos humanos que dependían de la caza y recolección de frutos efectuaron este tipo de trabajo pictórico.

En la pintura rupestre generalmente se usaban uno o dos colores, incluyendo algunos negros, rojos, amarillos y ocres. Los colores también llamados pigmentos eran de origen vegetal como el carbón vegetal, de fluidos y desechos corporales como las heces, compuestos minerales como la hematita, la arcilla y el óxido de manganeso, mezclados con un aglutinante orgánico resina o grasa.

Las cuevas se ubican totalmente bajo el suelo y en consecuencia se hallan en una oscuridad casi completa. Se cree que los antiguos artistas se auxiliaban con unas pequeñas lámparas de piedra llenas de tuétano.

Los colores se untaban directamente con los dedos, aunque también se podía escupir la pintura sobre la roca, o se soplaban con una caña hueca finas líneas de pintura.

ROA

ROA (nacido en 1975) es el apodo de un artista de graffiti de Ghent, Belgica. El empezó a trabajar en las calles de las ciudades de Europa y Estados Unidos.

ROA generalmente pinta animales salvajes (como ratas) o pájaros (como cuervos) en blanco y negro.

En 2010 hubo una noticia particular sobre ROA en Reino Unido cuando el consejo de Hackney amenazó con quitar uno de sus cuadros, uno conejo de 3.5m de alto. El conejo había sido legalmente pintado en la pared de un estudio de grabación en Hackney Road, Londres. Se lanchó una campaña para mantener el mural, organizada por los dueños del edificio y por los residentes del lugar, forzando al consejo para cambiar de opinión.

En Agosto del 2012 ROA formó parte del See no Evil, un festival de arte callejero en Bristol, Inglaterra, creando dos zorros gigantes en el lado de un edificio. 

La expresión música pop viene de la palabra “popular”. No esta hecha en forma de arte si no en forma de lucro y recompensa comercial, su público no es específico es general.
Nace en los años 60 en Inglaterra es originaria de los británicos, principalmente influida por el rock and roll, hard rock entre otros y se caracteriza por tener en sus 32 compases melodías muy pegadizas y usan mucho la función verso coro.
Los instrumentos comunes para este género son:

-Voz


-Guitarra


-Batería


-Bajo


-Sintetizadores


-Caja de ritmos


-Secuenciador


-Sampler

La música de este género es muy repetitiva. Se registra en el año 1926 y a partir del año de 1950 se 1960 se empieza a ver para un mercado joven, a menudo caracterizado como una alternativa suave al rock and roll. Las canciones de este género suelen ser cortas entre dos, dos y medio o tres minutos.

El jazz es un género de música que tiene su origen en diversos ritmos y melodías afronorteamericanos. Surgió a finales de siglo XIX en los Estados Unidos y, con el correr de los años, se expandió por todo el mundo.

El “San Francisco Bulletin” fue el primer medio de comunicación en publicar la palabra jazz, cuando apareció mencionada en un artículo del 6 de marzo de 1913 para hacer mención a la música que ejecutaba una orquesta del ejército. El primer disco que incluyó música autodefinida como jazz, por otra parte, fue editado en 1917 por la Original Dixieland Band.

La principal característica del jazz es que no se apega de manera estructura a una partitura, sino que se basa en la improvisación y la libre interpretación. Lo habitual, de todas formas, es que los músicos ejecuten un tema conocido dentro de cierta estructura armónica, más allá de las libertades en la ejecución.

Esta libertad de los artistas de jazz explica por qué el género no registra ventas masivas. El público está más habituado a consumir música subordinada a la melodía y estructurada con un estribillo, como es el caso del pop.

La interpretación más habitual del jazz incluye un instrumento solista (como una trompeta) acompañado por una sección rítmica (batería, bajo, contrabajo) e instrumentos armónicos (piano, guitarra). El jazz puede ser interpretado tanto por solistas como por tríos, cuartetos o las denominadas big bands de múltiples integrantes.

Louis Armstrong, Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk, Miles Davis y John Coltrane son algunos de los músicos de jazz más importantes de la historia.

*Cubismo 

Fue un movimiento artístico involucrado entre los años 1907 y 1914. Nació en Francia y tuvo sus orígenes con Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris.
Expresa las formas de la naturaleza mediante figuras geométricas, modificando líneas y superficies; las obras que tienen que ver con este movimiento revolucionario en el arte pueden variar en el color que poseen, en algunos casos se emplean el blanco y el negro por la desvinculación de la naturaleza y un acercamiento a las influencias de la fotografía.
Pinturas realizadas en base al cubismo

                   

*Surrealismo

Es un movimiento artístico y literario que se originó en Francia en 1924 mediante André Breton.

En las obras que reflejan este estilo se intenta plasmar por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños.Obras creadas a partir del surrealismo

            

*Dadaísmo

Es un movimiento cultural que tuvo sus comienzos en el año 1916 en Suiza; fue manifestado por Hugo Ball en un principio y luego se uniría a esta expresión Tristan Tzara. 


En lo que tiene que ver con este movimiento se da la inclinación hacia lo dudoso, la muerte, lo fantasioso, y la constante negación. Así, busca renovar la expresión mediante el empleo de materiales inusuales o manejando planos de pensamientos antes no mezclables lo cual conlleva a una tónica general de rebeldía o destrucción; buscaba generar una expresión revolucionaria contra la guerra, por esto era llamado en su época como el movimiento “anti-arte”.Algunas pinturas

                                      

*Expresionismo

Fue un movimiento cultural que surgió en el año 1905; abarca diferentes campos, como la literatura, el arte, la música, la fotografía, entre otros; posee una percepción atormentada de la vida y el arte; reivindica la creatividad de los artistas e intenta llegar a la reconstrucción de la realidad a partir del yo mismo.
Pinturas de este movimiento

                         

*Futurismo

Empezó a inicios del siglo XX, en Italia, cerca de 1910; tuvo como su principal creador a Filippo Tommaso Marinetti .
Este movimiento se basa en la maquinaria, y su movimiento mecánico; la tipografía comienza a tener más importancia y se crea una revolución sobre ella.                                               

*Modernismo

Fue una corriente artística desarrollada entre finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX; trata de crear una estética nueva, en la que abunda la inspiración en la naturaleza a la vez que incorpora novedades derivadas de la revolución industrial a las obras.

Algunas personas reconocidas que tuvieron que ver con esta corriente fueron Gustav Klimt,Antoní Gaudí, Jan Toorop, entre otros. 

                           

*Constructivismo

Fue una filosofía relacionada a la arquitectura y el arte. Sus inicios datan del año 1914; este término estuvo relacionado en una primera instancia con el pintor Kazimir Malévich, quien lo usó en 1917 para describir el trabajo de Alexander Rodchenko.
El constructivismo genera una influencia con lo que sea abstracto, relacionado a la industria y la técnica; es geométrico y funcional.

La obra de arte que pertenezca a esta filosofía está en comunicación con el espacio que la circunda y penetra, cuya estructura invisible se realiza en ella; se valora la simultaneidad del espacio, el tiempo y la luz que posea.

           

JR es propietaria de la galería de arte más grande del mundo.

Expone libremente por las calles del mundo, captando la atención de personas que no son típicos de los visitantes del museo. Su trabajo mezcla el arte y la Ley, habla de compromiso, la libertad, la identidad y límite.

Después se encontró con una cámara en el metro de París, hizo una gira europea de arte en la calle, el seguimiento de las personas que se comunican mensajes a través de las paredes. Entonces, empezó a trabajar en los límites verticales, observando a la gente y el paso de la vida a partir de los subterráneos prohibido y tejados de París.

En 2006, logró Retrato de una Generación,  retratos en los suburbios "matones" que ha colocado en formatos grandes, en los barrios burgueses de París. Este proyecto ilegal se convirtió en "oficial" cuando el Ayuntamiento de París envolvió su edificio con fotos de JR.

Para ver el proyecto completo. haz click aqui

En 2007, con Marco, él hizo Face 2 Face, la mayor feria ilegal nunca antes vista. JR publicó enormes retratos de israelíes y palestinos frente a frente en ocho ciudades palestinas e israelíes, y en ambos lados de la valla de seguridad / muro de separación. Los expertos dijeron que sería imposible. Sin embargo, lo hizo.

Para ver el proyecto completo. haz click aqui

En 2008, se embarcó en un largo viaje internacional  para las Mujeres Son Héroes, un proyecto en el que subraya la dignidad de las mujeres que son a menudo el blanco de los conflictos.

Al mismo tiempo, crea el proyecto Las Arrugas de la Ciudad. Estas acciones tienen como objetivo mostrar a través suyo, las arrugas, los habitantes de una ciudad, la historia y la memoria de un país. El artista eligió las ciudades que han experimentado cambios como Cartagena en España, Shanghai  o Los Ángeles.